原研哉是个怎样的人?

码头发布

原研哉
日本中生代国际级平面设计大师，
日本设计中心的代表！

他，似乎已经成为设计中
极简、留白、自然之美的代名词了
他，对设计有着深远的影响
他，是众多设计师推崇的对象
他，是全球瞩目的平面设计大师

再设计追求回到原点，
重新审视我们周遭的设计，
以最平易近人的方式来探讨设计的本质和内涵。
从无到有自然是一种创造，
但将已知的事物陌生化更是一种创造。
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原研哉

若一个设计作品来自于原研哉，大家都会变得小心翼翼，掠过表面的评价「好看」或是「我不喜欢」，而更多是深入去理解精神层面的美感。
这或许也算是设计大师的地位，带来的气质力量吧。

原研哉的设计理念来源于生活，利用他敏锐的观察力在日常生活中汲取灵感，将日本的传统文化与人们的生活联系起来，将日本传统的禅意精神融入到设计中。

禅学最初从印度传入中国，又经中国传入日本，经过不断的继承和发展，与日本文化相融合，对当地人们的生活和日本的民族性格都产生了很大的影响。禅文化注重简约、摒弃形式，这在原研哉的设计作品里都有体现。

原研哉追求设计的日常化、虚空、白、崇尚万物有灵，这种“空”和“白”都和日本传统的“禅”有关，原研哉用符号和象征性的方式表达他的“无中生有”的空灵境界。原研哉认为在生命刚开始的时候都“白”的，随着长大而变得浑浊，“白”是基本的、简单的、纯净的一种状态而不是一种颜色，这都体现了禅意。

原研哉的设计理念在无印良品里面得到了充分的体现，它的品牌理念是这样就好，与商业社会的刺激消费背道而驰，它的品牌中蕴含着日本传统文化中的禅意，不娇柔做作，质朴纯粹。无印良品的设计目的不是单纯的为了去迎合消费者喜好，而更多的是去激发消费者的思考，引导消费者，带有一定的教育目的。

作为无印良品的设计总监，用一种零杂质的眼光去审视无印良品，去审视自己的设计。无印良品最大的特点就是极简，它去掉了商标，省去了一切不必要的设计，颜色也是一样，最后简单只剩素材和功能。无印良品的商品上也很难找到标记，在店里，它的主色调都是白色、米色、黑色，都是产品的主色调。这都是他的“空”和“白”的设计理念的体现，都是日本传统的禅宗思想的体现。

他的设计作品呈现出一个富有禅宗美学意蕴，亲和而素朴的美学世界，它并没有蓄意的炫耀与雕饰，而是表现出自然固有的状态。
原研哉认为，“设计不是一种技能，而是扑捉事物本质的感觉能力与洞察能力”。

作品见：http://mp.weixin.qq.com/s/7477ER5DhZ8bI5oU44XqFw

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作者：葛焱，

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第一次见识到原研哉是因为一次很尴尬的吃饭。

那天，原研哉要回日本一段时间，下午的飞机。我们在一个地方定了午饭，算是为他送行。快到中午的时候，大家准备收拾一下去饭店，三三两两地聚到了会议室准备出发，就等还在一楼展场的原研哉。订好的时间到了……，订好的时间过了半个小时，有人下去叫，上来说是让再等等，又半个小时过去了，还是让再等等。我当时在会议室，其实里面的气氛蛮尴尬，这个不是平日的午饭，否则就取消了，就是为了大家聚一下，以及送行。一个多小时后，作东的甲方很没有脾气地(谁知道)取消了预约，改为订盒饭送到会议室。刚毕业的几个小朋友脸上写满了对好不容易得来的一个和大牌吃高档餐厅的机会就这样没了的无奈和茫然。

盒饭到了之后，原研哉也上来了，手里拿着卷尺和改过的图纸。大家开始吃盒饭 ，我刚好在原研哉的旁边，喵了几眼他那几张图纸，我敢肯定，他是去重新量场地了，可是这个早就有人量过了的。过了一会儿，一个小朋友被叫过去复印图纸，原研哉说他要带到飞机上再看看。小姑娘复印完上来的时候我在门口，我看了一下图纸和她开了句玩笑说：“你要重印了，信不信？”果然，原研哉拿到之后说颜色有点淡了，不过就这样吧。

我不知道别人是怎么感觉的，反正我当时有点压抑的，等到开那句玩笑的时候稍稍轻松了一点，好歹是开饭了，吃是次要的，关键是开吃了。和一些日本知名不知名的策展人或艺术家有过或长或短的合作，但是还是感觉有些不一样。

一段时间之后，原研哉再次回到中国，接着上次的做。有了那次吃饭的事情之后，我也就淡定了很多。有一天晚上加班，原研哉，我，还有一个小朋友，两点多，我俩打算送这位不会说中文，不愿说英文的国际友人回酒店。收拾东西的时候，原研哉突然说要不要去吃点什么？不会吧，这个点儿，你有消化路边摊地沟油的胃吗？看到没？不是路边摊：

原研哉点了一碗面，看他吃得很嗨的样子，我也配合一下，要了碗小馄饨。他突然问要不要来点啤酒，当然要，又不贵，喝多了还能爆个大料传点真经什么。啤酒开喝了，刚毕业的小朋友喝了啤酒后果然是豁得开，直接问了原研哉一个问题，说那天订的餐厅取消了，主办方估计挺没面子吧？我愣了一下，有些担心地看了看原研哉，原研哉愣了一下，锁了一下眉头说：“哈哈，没关系，展览开始之后会让他们很有面子。”……

两顿饭，一顿下午两点多，一顿半夜两点多；一顿盒饭，一顿大排面；一顿别人订好了等他，一顿他来了兴致提出要吃；一顿一堆人，一顿三个人；一顿吃得好压抑，一顿至少他吃得挺嗨，我也比那次轻松许多，好像也明白了点什么。

对于中国人来讲，讲到原研哉最容易联想到的大概就是“无印良品”和《设计中的设计》这本书了。中文版的书一直是叫《设计中的设计》的，其实从2003年开始，这本书前前后后大幅的修改至少有两次，甚至因此而将英文版的名字从”DESIGN OF DESIGN” 更改为” DESIGNING DESIGN”， 原研哉在2010年中文版的《设计中的设计|全本》的前言中也详细说明了缘由。即使是中文版的全本，和英文版，甚至是日版的内容也有不少区别，相比之下内容更为丰富。

除中文版的全本之外，2006年翻译2003日版的中文版以及大改过的英文版我都大概了解，就像他的设计一样，不同的版本之间不是简单的翻译和重复，也不像很多日本的产品那样最好的在日本，最差的给中国；相反，中文的全本版内容是目前最为丰富的，因为出版的时间最晚，也就是说，内容的丰富程度，甚至印刷的品质都是取决于时间的早晚。

04年在日本原研哉先生和竹尾纸业合作的HAPTIC展中，原研哉作为策展人, 破例设计了名为

水のパチンコ（水弹珠）。

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图片上那些阿司匹林状的小点是从五毫米厚的纸板上裁切出来的，我把这些纸点固定于装在铝板的底纸上，让表面保持完全平整，然后喷上超级防水涂料……像所有的弹珠游戏一样，这一款也有个斜坡，玩家将一根滴管灌上水，然后把水滴到板上。水珠便会往下滚落，在纸上的障碍间蜿蜒而行，各取其道，有时则会掉到洞里……最终剩下的水会流过一个狭长的槽，落入地上的一个瓶子里，纸和水，本该相互吸引，在这里却相互对抗，水珠就像弹珠一样在复杂的纸结构上滚动。

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Haptic一词，来自于希腊语中的haptikós，意为：able to touch or grasp。这件作品更多地是强调水与纸的互斥的触感。抗水性在日常生活中不难见到，比如荷叶上的露珠，在工业界更是非常常见，在原研哉的作品中，选择了纸这种通常来讲吸水的材料，造成视觉和心理上的反差，并通过设计将其放大，让人有一种“明明知道是这么回事，却还是觉得奇妙的感觉”。这个作品视觉效果非常好，水滴在流动的过程会有一种重新认识水的感觉，而且也很有互动性，要不是原研哉原则性太强，网上就会流出无数现场拍摄的照片和视频。

其实重要的不是这个设计，就如我前面所说的各种版本的《设计中的设计》，原研哉有一种强烈的自我颠覆的勇气。作为一件强调触觉，并将其尽可能放大的作品，仍然逃不脱被颠覆的命运，而且是被原作者颠覆。

2007年10月到2008年1月，21_21 DESIGNSIGHT的企划展的water展中，有一件原研哉的作品“鹿威し”。这件作品与上面提到的水弹珠非常相似，但很不相同。

占据作品大部分空间的依旧是水弹珠的主体纸板, 先前的作品中是用盆子来倒水，用瓶子来收集流到底部的水，新的作品更加工业化一点，采用了水循环系统，这样视觉上也更加完整和统一。不依靠“玩家”亲自倒水，当然也就少了一些互动性。但是，这远远不是作品改进的原因，某种程度上讲，新的作品已经不是对先前作品的改进，而是两件完全不同的作品，要表达的内容也有非常大的不同。此处暂且不表，先来看一个好玩的东西。

1642年前后，石川丈山禅师将用于农田上驱逐鸟兽的“ししおどし（鹿威し）”置入其位于京都的诗仙堂，后来被人竞相效仿，逐渐成为常见的日本园林小品。泉水流入有切口的一侧，将其压低后流出后，切口一侧再次翘起，另一侧击打下面的石块发出声响，声响的声音均匀而单一，与日本的禅宗文化中的“寂”极为契合。

再回到原研哉的作品，下图是前面整体图的右侧放大，可以看出，原研哉的这件作品正是将这件传统的园林小品嫁接到了原来的水弹珠中，所有在鹿威し中竹制的部分在作品中用玻璃替代，而用来敲击的石块使用了两端固定的金属条。表面上看，新的作品只是对水弹珠稍作改进，去掉了水瓶，用来供水的盆子换作了嫁接的“鹿威し”。事实上，右侧上方的结构对原来的作品有颠覆性的改变。我们讲到，水弹珠是2004年的HAPTIC展中的作品，意在通过防水材料对水的影响来突出触觉的概念，而07年的这件作品，已经不再把触觉作为整个作品唯一的意义表述，用原研哉自己的话讲：“根据各器具的粗细以及锤子的形状不同，水的形态，包括声音的样态会相应发生变化”。从这个角度来看，五感当中的听觉在作品中已经上升到了相当的高度， 这从作品直接使用“鹿威し”为名就可以看出。

从2004年到2007年，两件定型的作品前后有4年的时间跨度，但一直到“设计中的设计2012上海展”，细节的部分仍然和以前的展品的有稍许不同，至于我们无法通过肉眼觉察的部分，比如原是否更换过金属片的材质和加工工艺以追求他本人更想要的声音样态，那就更不得而知。

我并不觉得重新去量展场本身有什么问题，因为后来有人证实那顿压抑的午饭前，原研哉确实是去重新量展场的尺寸了，这证实了我当时的猜测，他甚至去精确了射灯轨道的位置。

让我觉得不一样的地方是原研哉对自我的颠覆和在颠覆过程中的不顾一切，在我们看来，讲究礼仪的日本人，不太会把合作愉快后为他送行的一帮人晾在那里，但是我觉得他沉浸在他的世界了，就像他那天夜宵的时候才意识到，他的行为和通常认为的行为礼仪有些冲突，但是他依然给出了冲突胜负的评判标准。后来在布展的时候，我注意到很多东西和他当时安排给整个团队的完全不一样，就像他的书，他的作品，都是大改，甚至是推倒从来，这和一般意义上的完美主义者不太一样，多数的完美主义者其实更多地把注意力放在了整体上很好，但有瑕疵的细节上，但原不惜在走出很远的路上退回去重新上路，在进行到一半的项目上站在旁观者的角度不留情面地否定自己，这种自我颠覆的勇气在我与他共事的几个月时间中不断地让我倒吸凉气。陪着他出去演讲过几次，当报告厅走道里坐满人的时候，他仍然会跑好几次到最后一排看他的PPT投在大屏幕上效果，有一次把里面所有的字体在开讲前十分钟改了一次。

今天上午路过无印良品店时，我突然想到正在写的这篇回答，于是又进去转了转。可以说，在大陆，相当多的人是通过无印良品知道原研哉的，不同于别的日本艺术家或设计师，无印良品从某个角度在很多人心中成为了解原研哉的常设展，也正是因为这个原因，他在大陆的知名度远超过了其他的一些设计师，比如他的同胞深泽直人，黑川雅之。但是从客观上讲，原研哉在国际上，尤其是现代设计占主导话语权的欧洲和美国，原的知名度并不如在大陆那样高，甚至低过比如他的同胞深泽直人，原因很多，具体不写了，但是他被低估了。